Esta exposición se configura alrededor de las nuevas prácticas artísticas de inspiración libertaria que se están dando actualmente en el estado español. Prácticas que más allá de su propio contenido político, son políticas por las condiciones de producción y difusión, ajenas a la institución arte y que buscan imbricarse con determinados movimientos sociales. Desde hace unos años podemos cartografíar una serie de encuentros en los que se ha buscado reflexionar de manera colectiva sobre las relaciones entre arte y anarquía en las que la presencia del activismo de cuño libertario ha sido indisociable:
El común denominador de estas experiencias es que están basadas en la autogestión y la ayuda mutua, en donde los procedimientos jerárquicos de la institución arte son abandonados en la busca de instrumentos horizontales de organización a través de asambleas y grupos de afinidad, cuestionando las figuras de autoridad y legitimación habituales del sistema artístico.La estética anarquista también ha sido un punto clave en la organización de estas experiencias, si acudimos a André Reszler, ésta responde principalmente a dos corrientes, por una lado la que da al artista una libertad de creación total como individuo para auto expresarse, rechazando cualquier condicionamiento ajeno a la voluntad de éste y por otro lado la que se identifica con las necesidades de agitación y propaganda. Si bien en los tiempos que corren la primera puede identificarse perfectamente con la idea liberal del arte, consideramos que una verdadera estética anarquista contemporánea tendría que responder a la del agit-prop, ya que aparte del interés que le podemos atribuir desde la perspectiva de Boris Groys cuando dice que el potencial político del arte puede mostrarse más poderoso en contextos de producción predominantemente política que en los mercantiles, también podemos ver su potencia para aliarse con movimientos sociales y políticos transformadores.
"Este triptico muestra mi visión del purgatorio bíblico. Consiste en tres lienzos separados. La parte central está pintada en tonos de rojo, que es el símbolo del fuego del purgatorio, el caos y el miedo. La narrativa principal de la pintura es la batalla de los ángeles y los esqueletos (siervos del infierno) por las almas de la gente. La Torre del Reloj de Arena central es el lugar donde la gente es ponderada para valorar el peso de sus pecados. Aquellos que han sido grandes pecadores van hacia la parte derecha de la pintura. Se puede ver el caldero con el aceite hirviendo, la moledora y el fuego infernal destinado a los desviados. En el lado izquierdo, tras el muro, puede verse la torre donde los justos son conducidos a prepararlos para su vuelo al paraíso. Desaparecen en el túnel de la luz divina."
Sergey Tyukanov was born 17 of May 1955, Poronaisk, Sakhalin Region, Russia. In 1981 he graduated Khabarovsk Teacher’s Training Institute, Artist Graphic Department - Master’s Degree. Lives and works in Kaliningrad and Chicago as a free artist.Sergey Tyukanov draws on stories, folklore and myth from around the world. His incredible imagination inspires these unique, intriguing creations. Sergey has the steady hand of a formally-trained printmaker, and he has also brought us beautifully detailed watercolors and drawings.
Picasso realizó este cuadro en el otoño de 1901, durante su segunda estancia parisiense. El tema de la soledad, representado a través del aislamiento de unos personajes más o menos anónimos en el interior de un café, no era nuevo para los artistas de la capital francesa...La escena parece comprimir a la figura femenina, a la que se deja sola en medio del lienzo. La soledad que Degas y Lautrec plasmaban era totalmente íntima y personal, ligada al personaje retratado; en Picasso, esa soledad contagia e impregna el ambiente. En la Bebedora de absenta la figura está inmóvil: la mano nerviosa se retuerce a lo largo del brazo. Todo es irregular...Fuente: https://www.slobidka.com/pablo-picasso/61-pablo-picasso-la-bebedora-de-absenta.html
El estilo figurativo está en alza en las subastas. Lejos de ser un contrapeso del panorama sociopolítico de caos, es un reflejo de las comodidades de las que disfrutan las capas altas de la sociedad
Últimamente, el arte abstracto cotiza a la baja en el mercado. Las subastas de arte contemporáneo de Phillips, Christie’s y Sotheby’s, realizadas en Londres el marzo pasado y en Nueva York este mayo, demostraron que los resultados del pasado otoño no habían sido una anomalía. Importantes obras abstractas de Burri, Mark Bradford y Rudolf Stingel tampoco habían conseguido venderse. De forma simultánea, el arte contemporáneo figurativo ha ido en aumento. Obras relativamente inteligibles y claramente políticas de gente como Gerhard Richter y Adrian Ghenie se vendieron por cifras cuantiosas en los últimos remates que se llevaron a cabo en las tres casas de subastas. En las últimas subastas de arte contemporáneo y del siglo XX, Christie’s ha confiado en algunos cuadros figurativos y soleados, como por ejemplo los de David Hockney, dos de cuyas obras se vendieron por un montante conjunto de 139 millones de dólares en la subasta de otoño. Phillips, en cambio, ha comenzado a confiar en los mensajes sencillos y las sensibilidades de cultura pop de Kaws. Durante la más reciente subasta primaveral de arte contemporáneo de Phillips, que tuvo lugar en mayo en Nueva York, uno de los lotes más grandes era un cuadro de Kaws que representaba a Bob Esponja con equis en los ojos
María Gimeno lleva casi toda su vida viviendo en Madrid, aunque nació en Zamora en 1970. Un día se dio cuenta de que era feminista y decidió reconocerlo en su trabajo. Ha recorrido un largo camino de dibujos, fotografías, videos, cerámica, acciones, bordados, libros y otras herramientas que utiliza simultáneamente para plasmar su creatividad. Se considera, con acierto, artista multidisciplinar. Con este compromiso de igualdad, coherente con su obra y en el que se encuentra inmersa surge la llamada de El Prado social, programa del Museo del Prado para realizar un taller con mujeres reclusas en la cárcel de Alcalá Meco, partiendo del cuadro de Diego Velázquez, Las Hilanderas
Dorothea Rockburne se encuentra entre las últimas practicantes de un arte abstracto que se puede interpretar como genuinamente innovador. El minimalismo parece haberse convertido ahora el último capítulo de la historia del modernismo
Dorothea Rockburne, hoy octogenaria, nació en Montreal y vive y trabaja en un gran estudio en Grand Street, en los límites del barrio de Chinatown de Nueva York. Ha formado parte durante décadas de la escena artística de Nueva York. Realizó sus estudios básicos en el Black Mountain College, una escuela alternativa de Carolina del Norte del que salieron algunos excelentes artistas y escritores a mitades del siglo pasado. La artista también muestra un interés activo en la literatura, especialmente en la poesía. Su obra, que nos llamó la atención los años setenta, suele exhibir una precisión que da muestra de su inquietud matemática; muchas de sus obras transcurren como soluciones a problemas matemáticos. Por lo tanto, aunque el arte de Rockburne es concienzudamente abstracto, también transmite algunos principios de particularidad que han surgido del exterior del arte. Al mismo tiempo, naturalmente, la obra pertenece al estilo minimalista y a la abstracción hard edge que se hacía en la época. En las cinco salas de su exposición en el Dia:Beacon, el museo de arte contemporáneo que está a una hora al norte de Nueva York, la vemos transmitir una inteligencia formal atípica por su aplomo y su logro.
¿Qué se puede decir sobre un arte tan implacablemente no objetivo como el que nos encontramos con Rockburne? Es una pregunta útil. El minimalismo, el movimiento al que la artista pertenece en parte, no alumbra materiales culturales más allá de la propia obra. En esa abstracción deliberada domina la resolución de los problemas formales. Las artes plásticas, como en las obras de Rockburne, estimulan la experiencia de las propiedades enteramente formales, o al menos eso parece al principio. Esto es una consecuencia del desarrollo artístico-histórico, en el sentido de que el minimalismo fue uno de los últimos grandes movimientos generales del arte. También es fruto de la propia proclividad de la artista a la percepción analítica al pintar, una fortaleza que muy pocas obras de arte presentan hoy. Rockburne viene de una época en que el formalismo estaba muy vivo, y pudo completar un conjunto de obras que se debería considerar entre lo mejor del arte estadounidense de los últimos tiempos.
Le peintre-plasticien ivoirien Ernest Dükü expose ses œuvres au sein du pavillon de Côte d’Ivoire durant la 58e Biennale de Venise, du 11 mai au 24 novembre 2019. Sous le thème des « ombres ouvertes de la mémoire », il évoque dans ses tableaux la spiritualité et la superstition.
El movimiento mundial fundado en 2018 celebra en Madrid una 'performance' que representa el ‘Funeral para las especies’.
